Suburra

Titel: Suburra – 7 Tage bis zur Apokalypse
Originaltitel: Suburra
Regie: Stefano Sollima
Musik: M83
Darsteller: Pierfrancesco Favino, Greta Scarano, Alessandro Borghi

Rom, 2011: Der Küstenvorort Ostia soll in eine Art Las Vegas umgewandelt werden, wobei hinter den Kulissen ein berüchtigter römischer Gangster die Fäden zieht. Ein Abgeordneter, der als Politiker in die Prozesse verwickelt ist, verbringt eine Nacht mit zwei Prostituierten und Drogen. Eine der Frauen überlebt den Abend nicht, ihre Leiche muss verschwinden. Die löst eine Reihe von Ereignissen aus, bei welchen die verschiedensten kriminellen Kräfte Roms aneinander geraten und sich bekriegen. Die Lage spitzt sich immer weiter zu, und gerade die kleinen Nummern, die nicht viel mehr als Bauern im Schachspiel der Mächtigen sind, müssen ums Überleben kämpfen.

Es fällt mir immer häufiger auf, dass viele der wirklich guten Kinofilme im Jahr total unter dem Radar der breiten Masse laufen. Ein aktuelles Beispiel dafür ist “Suburra”. Der italienische Mafia-Thriller wurde in der herausragenden Sendung “Kino+” empfohlen, was mich zum Kauf der Blu-ray bewegt hat. Ich sollte es nicht bereuen.

“Suburra” mag eine italienische Produktion sein, schließt aber mühelos an die großen Hollywood-Thriller eines Martin Scorseses an. Die Handlung ist einigermaßen komplex und erfordert die Aufmerksamkeit des Zuschauers. Verschiedenste Personen geraten in ein verwirrendes und oftmals tödliches Netz aus Intrigen, Korruption, Rache und Macht. Obwohl sämtliche Charaktere Dreck am Stecken haben, bekommt nahezu jede Figur auch ihre menschlichen Momente und wird damit nachvollziehbar. Einigen drückt man sogar die Daumen, man wünscht sich, dass sie irgendwie heil aus der Sache rauskommen. Die Schauspieler – mir durch die Bank unbekannt, da es Italiener sind – liefern allesamt eindrucksvolle, intensive und glaubwürdige Darstellungen ab. Regisseur Sefano Sollima inszeniert die Geschichte, die sich in einem Zeitraum von sieben Tagen abspielt, mit großer Spannung. Bereits am Anfang des Films wird in Schriftzügen angekündigt, dass am Ende die Apokalypse steht. Und so darf man sich auf einen Schluss voller Härte und Brutalität einstellen. Dabei bleibt die wohl dosierte Action allerdings immer Mittel zum Zweck, die Charaktere und die Handlung geraten nie aus dem Fokus.

Der Look des Films ist großartig. Sollima hat zusammen mit Kameramann Paolo Carnera eindrucksvolle Bilder und Fahrten voll von betörender Schönheit entworfen. Die äußerst ästhetische Optik wird perfekt von vielen Songs der französischen Electronic- und Dreampop-Band M83 unterstüzt. Die sphärischen Klänge dieser Musik vermitteln Größe und Magie, wobei sie oft im krassen Gegensatz zur eigentlichen Grausamkeit von “Suburra” stehen. Doch genau dieser Kontrast trägt wohl dazu bei, dass der Film – wie bereits erwähnt – trotz aller Härte seltsam menschlich und gefühlvoll wirkt.

Fazit: Ich spreche für “Suburra” eine klare Empfehlung aus und verteile starke 9 von 10 Popcornguys. Alle Fans von guten Thrillern – oder vielleicht sogar allgemein Fans guter Filme – sollten hier zugreifen und diesen wunderbaren Film aus Italien unterstützen.

The Skeleton Twins

Titel: The Skeleton Twins
Regisseur: Craig Johnson
Musik: Nathan Larson
Darsteller: Kristen Wiig, Bill Hader, Luke Wilson

Nach einem Selbstmordversuch trifft Milo (Bill Hader) nach zehn Jahren seine Zwillingsschwester Maggie (Kristen Wiig) wieder. Der depressive junge Mann wird von ihr und ihrem Mann (Luke Wilson) aufgenommen, um wieder ins Leben zurück zu finden. Dabei ziehen sich beide gegenseitig aus den tiefen Löchern, die sich in ihren Leben aufgetan haben.

Als großer Saturday Night Live-Fan hatte ich „The Skeleton Twins“ bald auf der Liste. Nachdem Kristen Wiig und Bill Hader nicht nur innerhalb des SNL-Ensembles zu meinen Schauspielfavoriten gehören, sehe ich sie in jedem Genre gerne – gerade da ich um ihre gute Chemie weiß. So auch in dieser Tragikomödie, die auf so manchen Indiefestivals zahlreiche Preise abräumte.

Bill Hader brilliert hier als homosexueller Mann, der von vergangenen Beziehungen und traumatischen Erlebnissen gebeutelt, keinen echten Ausweg mehr aus seinem verkorksten Leben findet. Das erneute Zusammenleben mit seiner Schwester weckt Kindheitserinnerungen – dies sorgt für witzige und tragische Szenen – und stellt den wichtigsten Schritt im Heilungsprozess dar. Einen fast schon kultartigen Status nimmt hier eine berühmte Lipsinc-Szene ein.
The Skeleton Twins besticht durch seine Chemie zwischen den Figuren – durch die ruhigen Dialoge transportiert Craig Johnson vor allem Gefühle, und verzichtet dafür auf große Storylines und Wendungen. Das macht den Film zu einem kleinen Streifen, der vielleicht nicht überrascht, aber sehr zum Nachdenken anregt.

Grundsätzlich ist es für Schauspieler, die eher aus dem Comedygenre bekannt sind, immer ein Drahtseilakt, sich auf dramatische Rollen einzulassen. Im Falle von Bill Hader und Kristen Wiig klappt es hier sehr gut.

GEWINNSPIEL:
Kommentiert unter dem Artikel, welche Schauspieler es eurer Meinung nach geschafft haben, mit einer guten Rolle mit ihrem Ruf gebrochen haben! Unter allen Kommentatoren verlose ich einen Digital Download-Code für „The Skeleton Twins“. Teilnahme bis 02.06.17

Battle Royale

Titel: Battle Royale
Originaltitel: Batoru Rowaiaru
Regie: Kinji Fukasaku
Musik: Masamichi Amano
Darsteller: Aki Maeda, Takeshi Kitano, Tatsuya Fujiwara

Zur Jahrtausendwende herrschen im Land hohe Arbeitslosigkeit und Jugendkriminalität. Als Reaktion darauf wird die “Milleniums-Bildungsreform”, kurz das “BR-Gesetz”, verabschiedet. Im Zuge dieses “Spiels” verfrachtet man ausgewählte Schulklassen auf eine einsame Insel. Dort werden sie mit verschiedenen Waffen ausgerüstet und dazu aufgefordert, sich gegenseitig umzubringen. Sollte es nach drei Tagen keinen alleinigen “Gewinner” geben, detonieren sämtliche Halsbänder, die den Schülern angelegt werden. Diesen gnadenlosen Regeln ist auch die Klasse 3-B der Shiroiwa-Mittelschule unterworfen, wobei Kitano (Takeshi Kitano), ein ehemaliger Lehrer, als “Spielleiter” die Fäden in der Hand hält. Noriko Nakagawa (Aki Maeda) und Shuya Nanahara (Tatsuya Fujiwara), beide 15 Jahre alt, müssen um ihr Überleben kämpfen und dabei schockiert feststellen, wie schnell ihr Klassenverband brüchig wird.

Der japanische Kultfilm “Battle Royale” stammt aus dem Jahr 2000 und gilt als geistiger Vater der massenkompatiblen “Tribute von Panem”-Reihe. Im Jahr seiner Erscheinung sorgte er für viel Aufsehen und Diskussion. Japanische Politiker und Pädagogen nahmen Anstoß an der Darstellung expliziter Gewalt unter Minderjährigen und wollten die Veröffentlichung verhindern, was jedoch erfolglos blieb. In Deutschland erschien der Film zunächst nur in einer stark geschnittenen Fassung, bevor er vollständig indiziert wurde. Nun ist “Battle Royale” wieder frei erhältlich – und ich habe mir den Streifen angesehen.

Im Vorfeld soll gesagt sein, dass ich an der “Tribute von Panem”-Reihe die Kernidee der Hungerspiele immer am faszinierendsten fand. Elemente wie die Dreiecksbeziehung und der Fashion-Aspekt waren für mich immer allzu offensichtliche und öde Zugeständnisse an das Zielpublikum dieser Filme. Zum Glück gibt es das bei “Battle Royale” nicht, beziehungsweise kaum. Hier geht es schlichtweg darum, wie sich Jugendliche gegenseitig töten. Und das ist nichts für schwache Nerven: Armbrüste, Maschinengewehre, Katanas, Granaten, Äxte und explodierende Halsbänder sorgen für einige sehr blutige Momente. Dabei ist es allerdings so, dass sich der Film meiner Meinung nach nicht zu sehr am Gore ergötzt. So bleibt das Töten hart und eindringlich, geht jedoch nie in die Richtung eines Splatter-Fests.

Noch wichtiger als die äußere Gewaltdarstellung ist natürlich das Innenleben der betroffenen Schüler. Hierbei werden sämtliche Möglichkeiten abgegrast. Einige Jugendliche wählen den Selbstmord, um sich dem “Spiel” zu entziehen. Andere legen die Waffen nieder und appelieren an die Menschlichkeit ihrer Mitschüler. Einige setzen ihre technischen Fähigkeiten ein und starten den Versuch, das Computersystem der Spielemacher zu hacken. Und wieder andere offenbaren ihren blutrünstigen Charakter und laufen Amok. So ergibt sich eine breite Palette an Motivationen und Entwicklungen, die den Zuschauer gut an die Handlung bindet.

Allerdings haben mich einige Inszenierungen im Detail dann doch gestört. Da wäre zum einen der Soundtrack zu erwähnen, der – durchsetzt mit bekannten klassischen Stücken – für sich genommen großartig ist. Doch bei einigen Szenen drückt etwas zu sehr auf die Tube und gemeinsam mit dem phasenweise vorkommenden Overacting ergibt das dann doch eine unfreiwillige Komik. Es mag sein, dass dies typisch für den japanischen Film ist. Man kann diese Szenen auch teilweise unter ironischer Satire verbuchen. Doch ich emfand entsprechende Stellen manchmal als unpassend und fühlte mich aus dem Film gerissen. Auffällig waren auch die etwas plump wirkenden Teenie-Liebesgeschichten: Wer will etwas von wem und warum und wie viel. Mir ist klar, dass diese Themen zum Alter der Protagonisten passen, aber das hätte man sicherlich auch geschmeidiger in Szene setzen können. Ungut ist im Grunde auch die hohe Anzahl an Figuren. Zwar kristallisieren sich einige Personen heraus – im Kopf bezeichnete ich diese Leute beispielsweise als “die irre Lady”, “der kranke Psycho”, “die Nerd-Gang” oder “der Stirnband-Typ” – aber wirklich in die Tiefe geht man bei keinem. Selbst die Hauptfiguren bleiben relativ oberflächlich und so verhält es sich dann auch mit der emotionalen Bindung zum Zuschauer. Vielleicht wäre hier weniger mehr gewesen.

Aber dennoch: “Battle Royale” ist ein guter Film, der durch seine harte und kompromisslose Grundidee von Anfang bis Ende fesselt. Der Streifen wirkt lange nach und wirft dank seiner Satire-Funktion auch die ein oder andere Fragen bezüglich unserer Leistungsgesellschaft und unseres Schulsystems auf. Wer es außerdem mal hart mag, sollte hier zugreifen. Von mir gibt es 8 von 10 Popcornguys!

The Lobster – Eine unkonventionelle Liebesgeschichte

Titel: The Lobster – Eine unkonventionelle Liebesgeschichte
Originaltitel: The Lobster
Regie: Yorgos Lanthimos
Musik: Amy Ashworth
Darsteller: Colin Farrell, Rachel Weisz, Léa Seydoux

David (Colin Farrell) wurde von seiner Frau wegen einem anderen Mann verlassen. In der Stadt dürfen sich nur registrierte Ehepaare mit einem gültigen Zertifikat aufhalten. Als Single wird David in ein Hotel gebracht, wo sich weitere Alleinstehende aufhalten. In dieser Einrichtung hat man 45 Tage Zeit, um einen Partner zu finden. Bleibt man Single, wird man in ein Tier verwandelt. David gibt an, dass er im Fall eines Misserfolgs ein Hummer werden möchte. Im Hotel gibt es strenge Regeln und strikte Abläufe. Propaganda-Vorträge wechseln sich mit vorgeschriebenen Tanzabenden. Masturbation auf den Zimmern ist verboten, wohingegen sexuelle Stimulation durch das Zimmermädchen vorgeschrieben ist. Eine besondere Bedeutung hat die Jagd auf unregistrierte Singles, die sich in den Wäldern aufhalten. Wenn ein Hotelgast einen Alleinstehenden mit Hilfe eines Betäubungspfeils fängt, kann er damit die Frist, binnen welcher er einen Partner finden muss, verlängern. David fügt sich in die Abläufe des Hotels ein und hält unter den weiblichen Gästen Ausschau nach einer möglichen Partnerin.

Diese europäische Produktion aus dem Jahre 2015 hatte keinen deutschen Kinostart. Wegen dem skurrilen, aber interessant wirkenden Trailer, sowie den positiven Kritiken wurde ich aber doch neugierig und legte mir kürzlich die DVD zu. Ich wurde nicht enttäuscht: „The Lobster“ ist einer der gestörtesten, seltsamsten und lustigsten Filme der letzten Zeit.

Der Cast ist bis in die kleinsten Rollen wunderbar gewählt. Colin Farrell führt einen als etwas bedröppelt wirkender Protagonist gut durch die Handlung. Ihm zur Seite stehen unter anderem John C. Reilly und Ben Whishaw, zwei weiter Hotelgäste, die mit unterschiedlichen Handicaps belastet sind – der eine lispelt, der andere humpelt. Auch für Schauspielerinnen wie Rachel Weisz oder Léa Seydoux bietet der Film Charaktere mit Ecken und Kanten. Letztere hinterlässt als gefährlich-kühle Anführerin der im Wald lebenden Singles sicher nicht nur bei mir Eindruck. Überhaupt fällt auf, dass viele Figuren in „The Lobster“ zunächst über einen einzigen prägnanten Charakterzug eingeführt werden: Von der herzlosen Frau, über die Biscuit-liebenden Frau, bis hin zur Frau, die ständig Nasenbluten hat. Als Zuschauer wachsen einem diese seltsamen Gestalten überraschend schnell ans Herz. Man möchte wissen, was es mit ihnen auf sich hat, wie sie zueinander stehen und ob sich zwischen ihnen Beziehungen entwickeln können.

Auch handwerklich bietet „The Lobster“ keinerlei Angriffsfläche. Die Kamerarbeit ist spannend und der Soundtrack trägt viel zur verstörenden Atmosphäre des Films bei. Im Drehbuch liegt aber die wahre Stärke des Films. Die auf den ersten Blick gestört wirkende Idee, dass Singles zur Strafe in Tiere verwandelt werden, ist bei näherer Betrachtung absolut genial. „The Lobster“ entwickelt einen wunderbar schwarzen Humor, wirft zwischen den Zeilen einen satirischen Blick auf die Gesellschaft und regt zum Philosophieren über die Liebe ein. Einen einzigen Kritikpunkt kann ich im Blick auf die zweite Filmhälfte anbringen. Zu diesem Zeitpunkt ist das Hotel mit all seinen Eigenheiten vorgestellt und der Film macht in seiner Handlung eine gewisse Wende. Es wird ein wenig träger und nicht mehr ganz so kreativ, doch das Ende an sich rundet „The Lobster“ schön ab.

Dass dieser Film keinen deutschen Kinostart hatte, ist in gewisser Weise ein Armutszeugnis. Auch die Tatsache, dass es hierzulande keine Bluray-, sondern lediglich eine DVD-Auswertung gab, spricht Bände. Sicherlich ist „The Lobster“ kein Film für jedermann – aber bestimmt ist er eine Bereicherung für jeden, der einen unkonventionellen Film abseits des Mainstream zu schätzen weiß. Von mir gibt es starke 8 von 10 Popcornguys!

Black Death

Titel: Black Death
Regisseur: Christopher Smith
Musik: Christian Henson
Darsteller: Eddie Redmayne, Sean Bean, Carice van Houten

England 1348, das Land wird in weiten Teilen von der Pest heimgesucht, die Friedhöfe quillen über und die Menschen verzweifeln angesichts der Todesgefahr. Der junge Mönch Osmund (Eddie Redmayne) zweifelt wegen der Liebe zu einer Frau ob seines Schicksals im Kloster. Er betet inständig darum, ein Zeichen von Gott zu erhalten, als der Ritter Ulfric (Sean Bean) im Kloster ankommt, auf der Suche nach einem Führer in das nahe gelegene Moor. Osmund schließt sich dem Ritter  und seiner Truppe aus raubeinigen Söldnern an, die unterwegs in ein Dorf sind, in dem anscheinend die Pest noch nicht Einzug gehalten hat. Grund dafür soll sein, dass die Dorfbewohner Gott abgeschworen haben und nun einem Dämon Menschenopfer bringen. Ulfric will die Häretiker der gerechten Strafe Gottes unterziehen. 

Ich bin auf diesen Titel aus dem Jahre 2010 aufmerksam geworden, weil er in einer Liste von Serien und Filmen auftauchte, die nun – nach dem 6. Staffelende von Game of Thrones – als potentieller Lückenfüller taugen könnten. Der groß besetzte und detailverliebte Historienfilm trumpft nicht nur mit gutem Schauspiel auf, sondern auch mit brutalen Kampfchoreographien und atmosphärischen Szenenbildern (ich fühlte mich teils an Nicolas Winding Refn´s „Valhalla Rising“ erinnert). Die authentisch und düster gestaltete Welt lädt den Zuschauer sofort in die bedrohliche Zeit der Pestkrankheit ein, die von Angst und religiöser Unsicherheit geprägt, die Verfolgung von angeblichen Hexen vorangetrieben hat. Inmitten dem Chaos stolpert der zaudernde Eddie Redmayne durch das Bild, nicht wissend, was er mit seinem Leben anfangen soll, während Sean Bean als bedächtiger und tief gläubiger Ritter mit seinen Söldnern vor nichts zurückschreckt, was seinem göttlichen Auftrag im Wege steht.

Was die Story so verheißungsvoll beginnt, verliert mittendrin leider etwas an Fahrt, sodass sich der Zuschauer etwas mühsam an die nicht unbedingt sympathische Gruppe heftet, bis sie schließlich das geheimnisumwobene Dorf erreichen, wo mit Langiva (Caraice von Houten) nur eine vieler mysteriöser Charaktere erscheinen. Dort wirds dann richtig interessant, weswegen ich gar nicht mehr zur Story sagen möchte.

Dass sich Christopher Smith in seiner Vergangenheit stark auf Horrorfilme konzentriert hat, merkt man deutlich, denn diverse Horrorelemente sind auch in „Black Death“ zu erkennen. Die düstere Stimmung der hauptsächlich in Deutschland gedrehten Schauorte leisten ihren Beitrag, die Verzweiflung der Charaktere aufzunehmen, auch wenn so manches Storydetail etwas aufgesetzt ankommt.

Fazit: Eine feine Entdeckung, die meines Erachtens unberechtigt unter dem Radar vieler lief, und einen spannenden und schaurigen Abend garantiert!

It Follows

Titel: It Follows
Originaltitel: It Follows
Regie: David Robert Mitchell
Musik: Disasterpeace
Darsteller: Maika Monroe, Keir Gilchrist, Jake Weary

Die 19jährige Jamie Height (Maika Monroe), eine unbeschwerte und leicht verträumte College-Studentin aus Michigin, datet einen etwas älteren Jungen namens Hugh (Keir Gilchrist). Dieser verhält sich während eines gemeinsamen Kinobesuchs merkwürdig. Dennoch haben Jamie und Hugh bei ihrem nächsten Date Sex auf dem Rücksitz eines Autos. Dies ist der Auslöser für Ereignisse, die das Leben der jungen Frau in den reinsten Albtraum verwandeln.

Auch auf die Gefahr hin, dass diese Inhaltszusammenfassung – gerade, weil es sich um einen Horrorfilm handelt – einen lahmen Film voller Klischees vermuten lässt, werde ich nicht mehr über die Handlung verraten. „It Follows“ ist ein Film, über den man am besten so wenig wie möglich weiß. Aber ein bisschen möchte ich meine Eindrücke dennoch niederschreiben.

„It Follows“ wird als der beste Horrorfilm des Jahres gefeiert. Ob das stimmt, vermag ich nicht zu sagen, denn ich bin kein großer Freund des Genres. Möglicherweise liegt es daran, dass ich nicht sonderlich viel Spaß daran habe, geschockt zu werden. Möglicherweise hängt meine Abneigung aber auch mit dem zusammen, was einem Laien wie mir so als Horrorfilm präsentiert wird. Schon die meisten Trailer, die ich unfreiwillig beim Kinobesuch aufschnappe, regen nicht gerade meinen Appetit an. Da geht es meist um attraktive Jugendliche, die irgendeinen Ausflug unternehmen, wobei es zur Katastrophe kommt, welche bis zuletzt mit einer wackligen Handkamera gefilmt wird. Der moderne Horrorfilm ist dabei mit sogenannten Jump-Scares angereichert – ein relativ billiges und schnell abgenutztes Mittel, wenn man ein Zusammenzucken des Zuschauers erreichen will.

Wie bereits gesagt: Die Handlung von „It Follows“ lässt da einen ganz ähnlichen Film vermuten. Doch glücklicherweise ist der Streifen gänzlich anders, was keineswegs mit der Handlung, sondern zum Großteil mit der Inszenierung zusammenhängt. „It Follows“ ist – um mal verschiedene Genrebegriffe zu nennen – eine Art Indie-Coming-of-Age-Gruselgeschichte. Sehr künstlerisch und symbolträchtig wird die Geschichte eines Mädchens erzählt, deren Leben von einem mysteriösen Etwas bedroht wird. Anspielungen auf Klassiker des Genres, die es in 70er und 80er Jahren gab, werden wohl vor allem Insidern auffallen. Jump-Scares sind äußerst selten, gerade deswegen aber effektiv. Stattdessen fängt die Kamera ruhig ihre Szenen ein, trumpft mit ein paar ungewöhnlichen Fahrten auf und fokussiert sich auf vermeintliche Kleinigkeiten. Es entsteht eine Stimmung der Unberechenbarkeit – und ein verdammt mulmiges Gefühl beim Zuschauer. Dass es im Subtext des Films um Themen wie Sexualität oder den Verlust der Unschuld geht, fördert dieses – im positiven Sinne – ungute Gefühl.

Auch die Darsteller, allesamt zwischen 17 und Mitte 20, machen ihre Arbeit sehr gut. Es mag eine unterm Strich recht introvertierte Truppe sein, aber der Hipster-Hammer wird meiner Meinung nach nicht geschwungen. Und es sind zum Glück keine Teenager-Abziehbilder. Man nimmt die Charaktere ernst, denn der Film tut dies auch und betrachtet seine Figuren zu keiner Sekunde mit einem ironischen Augenzwinkern. Vielleicht fühlen sich auch gerade deswegen die wenigen humoristischen Stellen des Films echt an.

Die Probleme treten auf, wenn man die Logik in der Handlung sucht. Zu dem mysteriösen Etwas, welches Jamie folgt, wird eine Mythologie entwickelt, die mir im Nachhinein an mehreren Stellen nicht ganz plausibel erscheint. Dem wird der Zusammenhalt der Teenager-Gruppe entgegen gestellt. Ein wenig musste ich da an Stephen Kings „Es“ denken, in welchem die Kinder ja auch mit Hilfe ihrer Freundschaft gegen den Clown Pennywise antreten können. Es ist allerdings fraglich, ob diese naiv-schöne Herangehensweise auch funktioniert, wenn die Protagonisten knapp 20 sind. Ein wenig verliert „It Follows“ auch am Ende an Fahrt. Allerdings ist dies Jammern auf hohem Niveau, denn die Inszenierung ist spannend und atmosphärisch genug, dass der Streifen bis zum letzten Bild fesselt. Einen entscheidenden Teil trägt dazu auch die verstörende Filmmusik von Disasterpeace bei – eine bizarre Mischung aus den Soundtracks von „Psycho“, „Der weiße Hai“ und „Drive“. Ich höre ihn mir gerade an und muss gestehen, dass mir mein Wohnzimmer relativ unheimlich vorkommt.

Ob „It Follows“ der beste Horrorfilm des Jahres ist? Wie gesagt, das kann ich nicht beantworten. Aber ich empfinde ihn als einen der interessantesten und sehenswertesten Filme des Jahres. Er ist inzwischen erhältlich und ich spreche hiermit eine klare Kaufempfehlung aus. 8 von 10 Popcornguys!

„Star Wars“-Special 2: Angriff der Klonkrieger

Bald ist der Oktober vorbei. Und bald kommt „Das Erwachen der Macht“ ins Kino. Grund genug, die vorherigen Filme nochmals unter die Lupe zu nehmen. Dieses Mal im Fokus: „Angriff der Klonkrieger“.